Sir Simon Rattle och Berlin Philharmonic spelar Brahms och Schönberg i Carnegie Hall

Sir Simon Rattle

Carnegie Hall, November 11-13, 2009

1. Berliner Philharmoniker
Sir Simon Rattle, musikdirektör och dirigent

Brahms-Schönberg, Piano Quartet No 1 i g-moll, op. 25
Brahms, Symfoni nr 1

2. Berliner Philharmoniker
Sir Simon Rattle, Music Director och dirigent
Evelyn Herlitzius, Sopran

Schoenberg, avdelningen Symfoni nr 1, op. 9b
Schönberg, Erwartung
Brahms, Symfoni nr två

3. Berliner Philharmoniker
Sir Simon Rattle, Music Director och dirigent

Brahms, Symfoni nr 3
Schönberg, ackompanjemang till en biofilm Scene, Op. 34
Brahms, Symfoni nr 4

Genom att öppna i Berlin Philharmonic tre-konsertserie i Carnegie Hall med Schönbergs arrangemang av Brahms 'g-moll för piano kvartetten Sir Simon Rattle gjorde ett definitivt uttalande om vad som skulle komma och hur vi bör lyssna till det, men just vad det betydde inte var klart tills vi hörde prestanda. Eftersom konstruktionen har funnit en plats på repertoaren, har ledare dukat under alltför lätt för frestelsen att utnyttja sina befogenheter som tränger behaga, men det är mycket mer än att, som Rattle och BPO lysande påvisas. Schönberg skrev den som en illustration av sin avhandling att Brahms, anses allmänt som en konservativ kompositör i det tidiga nittonhundratalet, i själva verket var en modernistisk, men med detta Schönberg uträttat något djävulskt smart, eftersom detta resultat görs tydlig: han översatt kammarmusik till orkestermusik, med hjälp av en stor orkester, omfattande slagverk och andra instrument totalt antitetiska till kammarmusik. Medan du gör detta fick han det omvända att göra en stor orkester musik spela kammarmusik, och i Berlin spelare lätt kan och vill spela det som om de faktiskt var. Detta var inte minst en visning av virtuositet, men det var hår-raisingly imponerande utan ett uttryck för en Schoenbergian paradox, som är så upplysande när det gäller Brahms eftersom det handlar om relationen mellan kammarmusik och orkestermusik. Åtminstone det öppnat våra öron att höra Brahms symfonier på ett nytt sätt, men inte som kammarmusik: som fria och flexibla som i Berlin spelarna, Rattle hade inte det minsta intresse för att äventyra den sanna symfoniska karaktär fungerar. Deras monumentalitet var alltid uppenbart, oavsett hur intima spel av solister. Man kan lätt höra genom den symfoniska ensemblen till finare strukturer inom-en unik balans mellan öppenhet och en rik, betydande ton som, tycks det, bara i Berlin filharmoniker kan åstadkomma.

G Minor kvartetten Rattle tolkade det, var absolut kammarmusik stämningen stora, och det var så mycket Schönberg som Brahms. Schönbergs Haydnesque kvickhet och känsla av tvetydighet var ständigt närvarande, som han förvandlade ljudet av tre strängar och piano till helt främmande orkestrala ljud, som fortfarande antytt originalet. Medan jag, under den första rörelsen, fann mig själv att lyssna på Brahms kvartett i mitt huvud gav jag mig över i andra satsen. Då och då skulle Schönberg anspelar på det ursprungliga klangfärger själv, mest överraskande och underhållande i passionerade unisont tema i den sista satsen, då hela Berlin strängarna härmade ljudet av Brahms stråktrio. Om någon musiker någonsin uppfattas mer i Schönbergs arrangemang och insåg det bättre, jag har verkligen aldrig hört det.

Den magnifika långsamma inledningen till första symfoni är så gott exempel som något av Rattle inställning till Brahms. I den svävande, men rytmiskt bestämda motiv sörja över en kraftfull ostinato, betonade påträngande slag av tympani, men här inte till överdrift, som i vissa föreställningar. Brahms har skrivit in i hans musik ett obevekligt framåt puls. Rattle, samtidigt som ingenting störa det, lägga nästan ingen uppenbar möda på att slå tiden. Han koncentrerade sig istället på inspirerande, cajoling samt uppmanade orkester i intensiva uttrycksfulla oegentligheter frasering, tempo, färg och konsistens, göra allt han kunde för att störa eller förvränga denna regelbundenhet. Det såg han hela tiden strävar efter att väcka orkestern att oväntade förändringar av färg och stämning samt att det latenta drama närvarande i varje kadens eller övergång. För bara några dagar sedan, samtidigt förbereda min recension av dokumentärfilmen, Das Reichsorchester, jag återvänt till det nödvändiga BBC film, Konsten att Dirigering - Legendarisk ledare av en gyllene era . I det jag var särskilt drabbade av de segment av Willem Mengelberg i arbetet och vad Yehudi Menuhin sagt om dem. Mengelberg injiceras hans livliga och påverka insatser i flödet och nyans av musiken, lika mycket i klangfärg så som i takt, genom sin batong, som till stor del mätt tiden, hans uttrycksfulla vänstra hand, och hans ännu mer uttrycksfulla ögon, för att inte tala alla resten av hans kroppsspråk. Menuhin sa, "Det som slog mig var det extra kraften i hans musikaliska analys av just dessa oegentligheter, av dessa deformationer, som intresserar mig mycket, utflykter bort från metronomic tid och hålla tillbaka vissa ackord att betona rytmen, och andra ... vad jag kallar snedvridningar, som faktiskt är beviset på livet, att leva. " Detta skulle gälla lika bra att Rattle. Inte bara han mögel varje fras i ständigt där, fascinerande sätt, vilket man kan kalla barock (med hänvisning till de former av en barock pärla och inte den musikaliska stilen) han gör varje röst hörd, så att hela ljudfältet av orkestern svänger med subtila variationer av färg och energi, snarare tvärtom i ogenomskinlig, glansig yta hans föregångare Herbert von Karajan, presenteras för allmänheten. Den här fri, öppen för orkester balans innebär att det fanns mycket mindre uppenbara "pekar" av inre röster och andra detaljer. I detta avseende, liksom i kvaliteten på uppspelningen och musikerna rörelsefrihet, gjorde föreställningar i själva verket liknar kammarmusik. Trots denna uppenbara koncentration på detaljer, ökade takten aldrig slack, och i alla fyra symfonier Rattle känsla av struktur och form var ofelbara.

I den första fick Rattle Brahms sammanflätning av lyriska, det tragiska, verkade och de hjältemodiga helt rätt, och det andra helt föryngras. Så inställsam som Brahms Huvudämnet är, är dess benstomme farligt regelbundet, och det andra kräver en prestanda på högsta nivå. Den kan inte dra, Brahms "konstruerade mönster inte kan döljas, och Brahms föresatt lyriska behöver en viss flexibilitet för att nå våra känslor. Rattle gick utöver detta och grävde i det innersta texturer och flyktiga stämningar av musiken, skapar en känsla av spontan upptäckt. Detta fortsatte i den långsamma satsen, som här, liksom i alla fyra symfonier, stod i centrum för den byggnad och Rattle fullo erkänt att faktum: alla hans långsamma rörelser var breda, undersökande, och full av överraskningar, eller bättre, uppenbarelser, men inte så mycket i en specifik mening om strukturen i musiken, som i färg och känsla. Av dessa skäl kan jag inte minnas någonsin höra sådant som påverkar tredje satsen heller och den sista satsen var full av massa och energi, alltid öppen för inre röster. Den fantastiska brassmusiker av Philharmoniker förde den andra till en spännande slutsats, bidra med sin lätta, vackra ton och subtilitet även till den slutliga fanfarer.

Av de fyra, är den tredje som bekant det svåraste att få bort. (Jag inte riktigt kan förklara varför, om det inte är för att Brahms skrev musik på ett ekonomiskt, trådansluten mode, som ledare har litet handlingsutrymme: det är särskilt svårt att balansera energisk och mer avslappnad, lite matt, delar av första satsen.) I Rattle är verkligen stor hänsyn till denna rörelse Brahms ständigt upprepas arpeggi föreföll fortfarande en smula påträngande. Kanske var det bara mitt sinnestillstånd, som jag kom in från gatan, eftersom symfonin öppnade det slutliga programmet, utan Schönberg att justera mitt medvetande, som i första och andra kvällar. I den andra satsen jag fann mig själv deltar fullt ut, djupt absorberas, mellan skönheten i vinden leker i ton och frasering och penetration av Rattle tolkning. I båda de inre rörelserna det verkade som om de kvaliteter kammarmusik var fullt lever i en stor symfonisk utrymme. Den fjärde satsen var, som tidigare, stor vikt och storlek, men mycket detaljerade.

Det öppna, intima texturer i orkestern gjorde det möjligt för Rattle att vända sig till fjärde utan att behöva skänka otillbörlig förmån för någon specifik röster över andra. Med andra ord kunde de saldon ytterst subtila. Vindarna och stråkarna i början av den första satsen kunde fortsätta på i en mindre markant sätt som musiken utvecklats. Till exempel, strax före införandet av den fallande åttonde-note siffror (A) i verkstadshandboken hörde vi övergångsperioden, ornamenterade frasen i den första violinerna (inte alltid hörbar sig) mot den ståtliga, utdragna tongångar i vinden. I den fjärde satsen Passacaglia denna tydlighet av konsistens och de fantastiska spela tog fram en chamber-music-liknande delikatess och olika ton som var olik alla resultat jag har hört. Å andra sidan var det utrymme växande effekten av tympani särskilt viktigt här. Rattle inblick i den musik gick långt utöver klang och teknik: varje ändring, eftersom det föreföll, var avslöjande. Den Brahms cykeln var i själva verket på ett konsekvent lysande, men detta sista, största symfoni av Brahms, verkade det mest imponerande prestation av alla. Jag hoppades att det sista ackordet skulle dö ut helt innan tumult. Tyvärr hände det inte, men bara av en bråkdel av en sekund. Kapaciteten Publiken bröt ut i vilda applåder. Liksom de två tidigare kvällarna, Sir Simon's heltäckande erkännanden av de enskilda avsnitten av orkestern var mer än en formalitet. Berlins filharmoniska var varmt och uppriktigt applåderade som en grupp av solister, som de i själva verket.

Det är bara logiskt att diskutera Brahms cykeln som en enhet, men det var viktiga Schönbergs verk om programmen också, och deras positioner i förhållande till symfonier var betydande. Brahms "Andra följt Schönbergs avdelningen Symfoni nr 1, op. 9b, skriven på 1906 och arrangeras för full orkester på 1935 och den dramatiska scenen, Erwartung (Förväntningen), Op. 17, av 1909. På ett enkelt, tydligt nivå domarna Symphony, som så många andra verk av det första decenniet av det tjugonde århundradet, var en produkt av kompositörers strävanden att förena Wagner och Brahms. Idag är musik historiker benägna att minimera dessa skillnader och det är sant att varken kompositören förlorat mycket sömn över de andra, men uppdelningen blev efter sin död och blev ett dilemma, eller ett uppdrag, för nästa generation. Med sin frodiga texturer och febril lyriska kammaren Symphony visar en sympatisk partner för Brahms andra. Den obefläckade spela, elegant klang, och klara att utföra inte bara gjorde det tilltalande för bred publik, men har full rättvisa till Schönberg.

Hans en-person opera, Erwartung, är ett av hans mästerverk, en intensiv dramatisk monolog av en kvinna, som går ut på jakt efter sin otrogna älskare och är förvånad över hans döda kropp i skogen. De fyra delarna av denna halvtimme arbete är fylld med förvirrade utlösningar, som teckenuppsättning transverses ett stort utbud av mörka känslor, rädslor och fantasier. Inte heller denna gång Rattle och BPO ett fantastiskt jobb att hålla allt i förhållande till och att upprätta en sammanhängande flöde. Den sopran, Evelyn Herlitzius antog en kompatibel strategi genom att undvika varje kompromiss av hennes krämig, nästan frodiga röst. Detta har inte alls hindra henne från att sjunga hennes brutna linjer med kraftfulla uttryck. Hennes insats var korrekt märket, enastående på alla sätt.

Schönbergs korta orkesterverk, ackompanjemang till en biofilm Scene, Op. 34, fick ett resultat som repat sin täta struktur-och yttrandefriheten utan att äventyra sin naturliga takt, som liksom Erwartung är dramatisk, eftersom det är ett komplement till en imaginär scen ur en film, utvecklas genom fyra centrala stämningar: hot, fara, rädsla och katastrof. Vad mer lämplig följeslagare för Brahms åtta-bar Passacaglia än Schönbergs mogna tolv toner arbete?

Det råder ingen tvekan om att Sir Simon Rattle arbete med Berlins filharmoniker det bästa vi har i musik idag. Vad mer skall han ha tack för att ge hans New York publik en betydande mini-säsong sammanhängande, meningsfull programmering, vilket ger oss en djupare förståelse av två stora kompositörer, och lämnar oss i förvissningen om att deras musik är i högsta grad levande idag .